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Les Groupes de Rock les Plus Importants des Années 90
Les années 90 ont été une décennie marquante pour le rock, avec l’émergence de groupes emblématiques qui ont redéfini le paysage musical de l’époque. Ces groupes, par leur son distinctif et leurs paroles engagées, ont captivé les fans et ont laissé une empreinte indélébile dans l’histoire de la musique.
Un des groupes phares des années 90 était Nirvana, mené par le regretté Kurt Cobain. Leur album emblématique « Nevermind » a propulsé le groupe sur le devant de la scène internationale, symbolisant la montée du mouvement grunge et de l’anti-conformisme. Les titres comme « Smells Like Teen Spirit » résonnent encore aujourd’hui comme des hymnes de toute une génération en quête d’authenticité.
Pearl Jam, avec son son brut et émotionnel, était un autre pilier du mouvement grunge. Les paroles profondes d’Eddie Vedder et leur engagement social ont marqué profondément les fans, faisant de Pearl Jam un symbole de la révolte et de la mélancolie caractéristiques des années 90.
La scène alternative des années 90 a également été enrichie par la présence de groupes tels que Radiohead, connu pour ses expérimentations musicales et ses paroles introspectives. Albums révolutionnaires comme « OK Computer » ont consolidé la réputation du groupe en tant que visionnaire, repoussant les limites du rock traditionnel.
En parallèle, des groupes comme Red Hot Chili Peppers ont apporté une touche de funk et de punk au paysage musical des années 90, avec des tubes tels que « Under the Bridge » et « Give It Away » qui ont conquis un large public grâce à leur énergie contagieuse.
Ces groupes emblématiques des années 90 ont non seulement façonné la musique de l’époque, mais ont également laissé un héritage durable, inspirant encore aujourd’hui de nouvelles générations d’artistes à repousser les frontières de la créativité et de l’expression musicale.
Les groupes de rock incontournables des années 90
La musique rock atteignit son apogée dans les années 60 avec des icônes telles que les Beatles, les Rolling Stones et Jimi Hendrix. Les décennies suivantes virent l’émergence de Led Zeppelin, Queen, Pink Floyd, puis de Guns N’ Roses, U2 et Van Halen, qui ont fièrement porté le flambeau dans les années 80. Cependant, le rock partageait de plus en plus les classements avec d’autres genres musicaux à ce moment-là. Dans les années 90, le son de la rébellion juvénile avait clairement basculé vers le rap et le hip-hop.
Pourtant, cela ne signifiait pas la fin du rock. Les années 90 ont tout de même produit de nombreux classiques et légendes influentes. Il y avait tellement de groupes importants que certains, tels que Limp Bizkit, Marylyn Manson, Nine Inch Nails, Blur, The Offspring, Rancid et Stone Temple Pilots, ne pouvaient tout simplement pas figurer sur cette liste.
Les groupes sélectionnés sont parmi les derniers géants du rock. De Nirvana à Weezer en passant par Oasis et les Red Hot Chili Peppers, ils sont les groupes de rock les plus importants des années 90.
Weezer
Jim Steinfeldt/Getty Images
Si un groupe était destiné à servir de pont que les auditoires de rock grand public franchiraient du sombre abîme du grunge anxieux du début des années 90 à l’ère plus lumineuse et moins sérieuse du pop rock de la fin des années 90, c’était Weezer. Dans son examen de l’héritage du groupe, Passion Weiss affirme que le premier album du groupe en 1994, « Weezer », également connu sous le nom de « The Blue Album », possédait tout ce dont un tel pont aurait théoriquement besoin. Il combinait tout le cœur et l’angoisse auxquels le public était, à ce stade, bien habitué, mais il présentait également un côté plus farfelu qui rappelait aux auditeurs qu’il est tout à fait permis de s’amuser, et que la tristesse et la douleur ne sont pas les seules expériences humaines authentiques valant la peine d’être chantées.
Le groupe allait continuer à expérimenter et à repousser ses propres limites avec des albums comme « Pinkerton » en 1996. Mais les éléments qui font de Weezer une écoute fiable toutes ces années plus tard étaient présents dès le début. La tristesse. La folie. Les clins d’œil auto-conscients et narquois. Les tubes « Say It Ain’t So » et « Buddy Holly » ont peut-être terni leur réputation autrefois prometteuse avec plus que leur juste part de matériel moyen depuis lors, mais leur héritage demeure. Et cela fait aussi partie de l’histoire. Weezer a beaucoup de choses à dire, et on dirait qu’ils disent à leurs fans: « Hé, nous sommes toujours en train de tout comprendre, tout comme vous. Certaines choses fonctionnent, d’autres non. » Peut-être que ce que Weezer est plus que tout, c’est un groupe qui essaie simplement d’être humain, au lieu d’être plus grand que nature.
Korn
Dites ce que vous voulez du Nu Metal – la fusion souvent décriée entre le métal et le hip-hop qui a dominé le monde du rock mainstream à la fin des années 90. Limp Bizkit a certainement ajouté une qualité, comment dire, controversée au genre. Mais lorsque les membres de Korn, aux dreadlocks flamboyantes, ont fait leur entrée sur scène avec leur premier album éponyme en 1994, personne n’avait jamais entendu quelque chose de similaire.
En fait, on pourrait dire que les gars derrière « Follow The Leader », leur album à succès de 1998, étaient parmi les dernières grandes stars du rock. Selon The Ringer, le groupe était aussi populaire que Britney Spears et NSYNC à l’époque, avec des titres de l’album tellement demandés qu’ils ont dû être retirés de l’antenne.
Mais pour réellement évaluer leur importance, il faudrait considérer leur impact. Personne ne le dit mieux que le guitariste historique du groupe, Brian « Head » Welch. « Je regarde ce qui est venu après nous, et les groupes ont vraiment pris notre son et ont fait des choses incroyables avec, » a-t-il déclaré à Metal Hammer. « Regardez Slipknot et regardez Linkin Park! J’adore ces deux groupes, et ils ont pris ce que nous avons fait vers de toutes nouvelles directions… Vous devez considérer que c’est une réussite ! »
Les Smashing Pumpkins
Gie Knaeps/Getty Images
Les débuts des années 90 ont été dominés par l’angoisse exprimée par le grunge (via Britannica). Les Smashing Pumpkins ont également imprégné leur musique de douleur, mais toujours avec une introspection plus poussée qui transformait leurs réflexions en quelque chose de magnifiquement étrange (via AllMusic). Bien qu’ils n’aient jamais vraiment trouvé leur place parmi la foule de bûcherons de Seattle et n’aient réellement connu le succès commercial qu’après le déclin du grunge, avec « Mellon Collie and the Infinite Sadness » en 1995, il ne faut pas pour autant sous-estimer leur influence sur certains des groupes les plus importants de la décennie.
Leur premier album, « Gish », a en fait influencé les piliers du grunge de l’époque plutôt que le contraire. Lors d’une interview avec Rolling Stone, le chanteur Billy Corgan s’est vu demander si le succès fulgurant de « Nevermind » de Nirvana et « Ten » de Pearl Jam quelques mois après la sortie de « Gish » avait conduit à une sous-estimation injuste de cet album. « Les gens ont eu tendance à minimiser l’influence de l’album », a-t-il déclaré. « Je me souviens d’une conversation avec [le chanteur de Pearl Jam] Eddie Vedder … Il m’a dit à quel point Gish avait influencé leur premier album. Et au fil des ans, j’ai parlé à beaucoup, beaucoup de personnes qui ont vraiment souligné que Gish avait changé la donne dans leur façon d’aborder la guitare et l’enregistrement. »
Peut-être est-il préférable qu’ils n’aient pas accédé à la célébrité avant la fin du grunge. Ils offraient toujours quelque chose de légèrement différent, un peu plus onirique, et lorsque leur heure est enfin venue, le monde était enfin prêt à l’apprécier dans toute sa singularité, sa beauté étrange.
Alice In Chains
Le grunge est souvent crédité d’avoir mis fin au glam metal et rendu instantanément ringard le port des produits dérivés de ces groupes en public. Et c’est vrai, mais le bébé a en réalité survécu lorsque l’eau du bain a été évacuée. Des groupes emblématiques tels que Metallica et Guns N’ Roses ont survécu à l’élagage, et les groupes considérés à juste titre comme faisant partie de l’explosion du rock alternatif initiée par le son de Seattle ont largement été influencés par ce qui les a précédés.
Alice in Chains, par exemple, avait une touche heavy metal et des cheveux longs évoquant l’ère précédente, sans oublier l’un des derniers grands duos chanteur-guitariste de l’histoire du rock avec le chanteur Layne Staley et le guitariste-choriste (et actuel leader du groupe) Jerry Cantrell. Sur le papier, les rockeurs de « Man In The Box » et « Rooster » étaient le produit d’une ère classique, jouant d’une manière ou d’une autre aux côtés de groupes définis par leur rejet de tout ce qui les avait précédés. D’une autre manière, ils n’avaient rien en commun avec ce qu’ils semblaient imiter. Leurs paroles ne portaient pas sur les fêtes, les voitures rapides, les femmes faciles ou sur comment le rock’n’roll allait sauver le monde. Ils n’avaient pas de temps pour ce genre de niaiserie. Ils chantaient sur un type de douleur que seuls ceux qui étaient intimement familiers de la perte et de l’addiction pouvaient comprendre (via Loudersound). Peut-être que cela en faisait une sorte de pont.
Comme leurs contemporains, Alice est devenu trop grand, trop rapidement pour leur propre bien, et ils ont eu recours à la drogue pour faire face à la pression. Les conséquences furent prévisiblement tragiques (via Rolling Stone), mais n’ont jamais effacé l’héritage obsédant et imposant du groupe.
Si vous ou quelqu’un que vous connaissez avez des problèmes d’addiction, de l’aide est disponible. Visitez le site web de l’Administration des services de santé mentale et des toxicomanies ou contactez la ligne d’assistance nationale de la SAMHSA au 1-800-662-HELP (4357).
Rage Against The Machine
Rage Against The Machine est, sans surprise, associé aux groupes de rap-rock et de metal qui ont émergé à la fin des années 80 et dans les années 90, des Beastie Boys à Limp Bizkit. Cependant, peut-être que « punk » est l’étiquette la plus appropriée pour le chanteur perpétuellement furieux Zach De La Rocha, le sorcier expérimental de la guitare Tom Morello et les autres membres du groupe. Cela ne signifie pas que « Bulls On Parade » ou « Killing In The Name » ressemblent en quoi que ce soit aux Sex Pistols ou à Black Flag. Mais, bon sang, ils dégagent une attitude punk et une énergie à revendre. Comment décririez-vous autrement un groupe qui a passé toute sa carrière à lancer des grenades sonores contre l’establishment politique (ou vraiment toute figure d’autorité) et à exciter les masses dans une frénésie révolutionnaire ?
Selon Rolling Stone, Loudersound affirme que la percée de Rage remettait en question l’idée que la Génération X, alors jeune public de rock, n’était qu’un groupe de jeunes désabusés, sans but, ne se souciant de rien. Rage se souciait. Rage voulait que vous vous préoccupiez. Rage a façonné un cocktail explosif d’influences diverses et de paroles anti-autoritaires, attaquant avec une attitude grondante, passionnée, unis-toi à nous ou dégage, sans temps à perdre en jeux, ne lançant que de l’anarchie musicale sur tout, du Big Business aux policiers abusifs, en passant par l’inégalité des revenus, le racisme, et presque toutes les formes d’injustice et d’iniquité. Les gens en ont assez d’être sermonnés par des célébrités auto-justes, mais Rage ne faisait pas la leçon. Ils tenaient tête au système. Qu’y a-t-il de plus rock n’ roll que cela ?
Pearl Jam
Gie Knaeps/Getty Images
Bien que les acteurs majeurs de l’époque du grunge continueraient à jouer pendant des années, cette période s’est achevée avec la mort de Kurt Cobain en 1994. Ensuite, d’autres légendes ont connu des destins tragiques et prématurés. Layne Staley d’Alice In Chains est décédé en 2002 d’une overdose, selon Rolling Stone. En 2015, Scott Weiland, le chanteur de Stone Temple Pilots et de Velvet Revolver, est également décédé des suites de la drogue (via Rolling Stone), et en 2018, la légende de Soundgarden, Chris Cornell, s’est ôté la vie (via Billboard). Ils n’avaient certainement pas l’intention de recevoir cette reconnaissance de cette manière, s’ils la cherchaient, mais cela laisse Pearl Jam en tant que dernier titan du grunge encore debout.
Peut-être étaient-ils destinés à survivre à leurs pairs d’une manière ou d’une autre. Adam Graham du Detroit News les décrit essentiellement comme les pères du rock et affirme que les ingrédients de leur longévité étaient présents dès le début, avant que quiconque puisse les reconnaître pour ce qu’ils étaient.
En résumé, les rois du rock « Alive » et « Even Flow », longtemps menés par l’humble serviteur de la musique Eddie Vedder, ont gardé les choses simples, évitant les frasques tapageuses qui ont déraillé leurs pairs, et ont gardé les yeux rivés sur l’objectif : l’album ou la tournée à venir. En d’autres termes, ils n’ont jamais essayé d’être des rockstars, mais tout simplement les meilleurs musiciens et interprètes qu’ils pouvaient être. Ainsi, ils sont devenus certains des meilleurs rockstars.
Si vous-même ou quelqu’un que vous connaissez avez des problèmes de dépendance, de l’aide est disponible. Visitez le site web de l’Administration des services de santé mentale et de lutte contre la toxicomanie ou contactez la ligne d’assistance nationale de la SAMHSA au 1-800-662-HELP (4357).
Si vous ou quelqu’un que vous connaissez avez des pensées suicidaires, veuillez appeler la ligne nationale de prévention du suicide au 1-800-273-TALK (8255).
Oasis
Selon Matthew DeBord de Business Insider, Oasis était le plus grand groupe britannique depuis Led Zeppelin. C’est un éloge très élevé. Bien sûr, Queen, Pink Floyd et The Clash aimeraient ajouter leur mot.
DeBord établit des parallèles convaincants entre les légendaires rockeurs britanniques des stades des années 70 et la sensation britpop des années 90 menée par des frères. Il affirme que tous deux étaient captivants sur scène, savaient non seulement écrire une musique exceptionnelle, mais aussi la disposer parfaitement dans un album. Robert Plant et Liam Gallagher ont défini à eux deux à quoi devait ressembler un frontman de rock pour leurs époques respectives et ont été imités sans fin depuis lors. Il y a bien plus dans l’article, mais vous saisissez l’idée : Oasis était effectivement l’un des groupes les plus importants de l’ère post-hard rock, post-grunge, et l’une des plus grandes exportations de rock britannique de tous les temps. À leur apogée, ils étaient presque certainement le meilleur groupe sur la planète.
Kim Taylor Bennett avance la même idée pour Vice lors d’une discussion avec le réalisateur de « Supersonic », un documentaire sur les brillants frères Gallagher, notoirement dysfonctionnels. « Il y a quelque chose en eux », a déclaré le réalisateur Matt Whitecross. « Ce n’est pas seulement nostalgique. Il y a une sorte d’esprit punk qui s’en fiche de ces gars-là qui était unique et constitue un antidote magnifique à notre époque où les gens sont bien plus respectables. La dernière chose que vous voulez est que le rock’n’roll devienne trop respectable. »
Pantera
Pantera, le groupe de groove metal texan, a été un souffle d’air frais pour les amateurs de musique heavy metal dans les années 90. Alors que des groupes de glam metal comme Poison et Mötley Crüe perdaient en popularité avec l’avènement du grunge, Pantera a su s’imposer. Leur album de percée en 1990, « Cowboys From Hell », a marqué le début de leur ascension, mais c’est en 1992 avec « Vulgar Display of Power » et son titre emblématique « Walk » que le groupe a réellement révolutionné le genre.
Au cours de cette décennie, le chanteur au regard menaçant Phil Anselmo, le légendaire guitariste « Dimebag » Darrell Abbot, soutenus par une rythmique dense avec Rex Brown à la basse et le frère de Dimebag, Vinnie Paul, à la batterie, ont offert une performance metal inégalée. Malheureusement, des dépendances et des conflits internes ont conduit à leur séparation en 2000, mettant fin à tout espoir de réunion après le meurtre choquant de Dimebag sur scène (source: Rolling Stone) et le décès de Vinnie en 2018. Malgré ces tragédies, l’héritage musical de Pantera demeure intact et puissant.
Les adeptes du groupe ont été marqués par leur contribution inestimable à l’histoire du metal, symbolisée par une énergie brute et une rébellion authentique, et leur impact sur la scène musicale reste indéniable aujourd’hui.
Red Hot Chili Peppers
Gareth Cattermole/Getty Images
On juge souvent la grandeur d’un artiste par le nombre de ses imitateurs. Mais honnêtement, qui essaie de sonner comme les Red Hot Chili Peppers ? Ils sont incontestablement le premier et le seul groupe notable dans l’espace alt-punk-funk-rap-rock depuis leurs débuts au milieu des années 80. Certes, John Frusciante n’a pas été nommé le meilleur guitariste des trente dernières années (selon Gigwise) pour rien. Cependant, si des groupes qui imitent bien les RHCP ont joué dans des salles plus grandes que le restaurant le plus proche, le grand public ne les a pas encore rencontrés. Ce n’est pas une critique envers les Chili Peppers, mais simplement une reconnaissance qu’ils dominent tellement le petit coin du monde musical qu’ils se sont taillé que personne d’autre ne veut même essayer.
Proposons donc un nouveau critère pour juger de la grandeur : la longévité. La plupart des groupes qui restent pertinents pendant des décennies doivent arborer la nostalgie comme arme pour y parvenir. Mais selon Britannica, les Chili Peppers ont connu trois apogées commerciales distinctes, se déroulant chacune dans un univers musical complètement différent. La première a été leur percée en 1991 avec l’album « Blood Sugar Sex Magik, » qui a donné naissance aux tubes « Under the Bridge » et « Give It Away. » Puis est venu « Californication » en 1999, porté par le titre éponyme, suivi du monstre double album de 2006, « Stadium Arcadium, » avec des classiques tels que « Dani California, » « Snow (Hey Oh), » et « Desecration Smile. »
Leur son ne suscite pas de nombreux imitateurs, mais il ne semble pas vieillir non plus.
Radiohead
Scout rapporte qu’après la mort de Kurt Cobain, les nouveaux venus britanniques du rock alternatif, Radiohead, étaient attendus pour combler le vide laissé par Nirvana. C’était une pression énorme à mettre sur quiconque, compte tenu de l’impact de Nirvana sur la scène musicale. Cependant, bien que Radiohead, mené par Thom Yorke, n’ait jamais atteint les mêmes niveaux de succès commercial, ils s’en sont approchés de manière admirable, dépassant peut-être le trio grunge de Seattle en termes d’expérimentation tortueuse et avant-gardiste. Ils étaient un groupe de pop rock, certes, mais c’était un leurre. Ils utilisaient simplement des accroches pour maintenir vos défenses en place avant de se faufiler pour vous toucher à un niveau plus profond.
Si vous voulez savoir ce qui les animait vraiment, NME indique qu’ils ont investi les royalties qu’un groupe moins avisé aurait dépensées en extravagances dans un tout nouveau studio. Ils ne l’ont pas simplement équipé de matériel standard, mais de toutes sortes de dispositifs qui les aideraient à obtenir ce ton expérimental caractéristique du rock d’art qu’ils commençaient à développer. Leur troisième album résultant n’était pas simplement quelque chose de différent et de frais. C’était « [OK Computer](lien vers l’album) » de 1997.
Classé comme le 42e meilleur album de tous les temps par Rolling Stone (dont la liste inclut plusieurs autres albums du groupe) et porté par les singles « Paranoid Android », « Lucky » et « Karma Police », « OK Computer » a changé la nature de l’album rock et inspiré d’innombrables groupes à repousser leurs limites créatives pour découvrir l’étendue de leur talent.
Green Day
Si le hair metal des années 80 était une longue fête endiablée, le rock grunge du début des années 90 fut la gueule de bois qui suivit. Fatigués des pantalons en spandex, de l’Aquanet et de Cherry Pie, le public se tourna vers des bûcherons austères de Seattle qui chantaient sur le côté sombre du rock ‘n’ roll. Mais cette tendance s’essouffla également, et au milieu de la décennie, la gueule de bois avait pris fin. Après avoir vomi une dernière fois, le public était plus que prêt à s’amuser à nouveau.
Heureusement, le punk rock était en plein renouveau, avec en tête des groupes du Sud de la Californie comme Green Day. Le chanteur-guitariste Billie Joe Armstrong, le bassiste Mike Dirnt et le batteur Tré Cool ont combiné une authentique rébellion punk avec quelque chose que peu de leurs pairs possédaient : un talent d’écriture de chansons de classe mondiale qui transcendait la scène. On le ressent à foison sur des titres comme « Basket Case », « Longview », « When I Come Around », et chaque autre morceau du succès retentissant de 1994, « Dookie », encensé par Pitchfork qui le décrit comme une explosion fraîche de classiques punk intemporels aux mélodies percutantes.
Le groupe était désormais des superstars. Ils ont peut-être perdu un peu de leur mordant vers la fin de la décennie, mais sont revenus sur le devant de la scène pour une nouvelle génération avec « American Idiot » en 2004, un des meilleurs albums de rock moderne jamais réalisés (selon Rolling Stone). The National News affirme que leur succès grand public leur a valu de nombreux ennemis dans la scène musicale, les accusant de vendre leur âme. Heureusement, ils ont ignoré les critiques et ont continué à livrer certains des meilleurs hymnes pop punk jamais écrits, finissant par s’établir comme des figures respectées du rock.
Nirvana
On a souvent répété que les accords puissants d’ouverture de « Smells Like Teen Spirit » ont instantanément transformé le monde de la musique. Tout à coup, selon la BBC, le glam metal qui dominait la décennie précédente semblait gênant et démodé. Les tee-shirts de Poison et Winger ont disparu du jour au lendemain, laissant seulement les plus grands groupes de hard rock et de metal de l’ère précédente viables commercialement. La chanson a également révolutionné la musique alternative, propulsant les années 90 – des chansons à la mode – au premier plan de la culture.
Le « son de Seattle », également connu sous le nom de grunge – caractérisé par un jeu musical brut, des paroles émotionnelles sur la douleur, des costumes de bûcheron – était désormais à la mode. Mais cette tendance ne dura pas. Le genre, qui n’était jamais destiné à être accepté par le grand public en premier lieu, est tombé en désuétude peu de temps après la tragique mort par suicide de Kurt Cobain en avril 1994. Cependant, à ce moment-là, « Nevermind » de Nirvana, rempli de succès de rock alternatif encore modernes et définissant une époque comme « Come As You Are », « Lithium » et « In Bloom », avait déjà changé le monde.
« J’ai acheté Nevermind, » a écrit Iggy Pop des Stooges pour Rolling Stone, « et je me suis dit, ‘Cela a vraiment quelque chose’… Ils ont rocké sans se précipiter et ont géré la mélodie sans être insipides. C’était émotionnel sans sonner daté ou ringard ou faible. » À propos de Cobain lui-même, Pop a continué, « Quelqu’un qui est vraiment personne de nulle part a touché le monde. Il a peut-être touché en plein dans sa blessure. »
Si vous ou quelqu’un que vous connaissez avez des pensées suicidaires, veuillez appeler la Ligne nationale de prévention du suicide au 1-800-273-TALK (8255).